Manuel Ruiz, contratenor & Íliber Ensemble
Dtor. Darío Tamayo
Premio Sello FestClásica 2026
Händel, Vivaldi, J. A. Hasse

Héroe Desvelado

I

Georg Muffat (1653-1704)
Florilegium secundum – I. Nobilis Juventus
Ouverture

Georg Friedrich Händel (1685-1759)
Rinaldo HWV 7b
Aria: “Cara sposa” (Rinaldo)

Johann Adolf Hasse (1699-1783)
Artaserse (versión de Venecia, 1730)
Aria: “Pallido il sole” (Artabano)

II

Giuseppe Antonio Brescianello (1690-1758)
Sinfonia n.º 5 en fa mayor Op. 1, n.º 5
I. Allegro

Georg Friedrich Händel
Giulio Cesare in Egitto HWV 17
Recitativo: “Dall’ondoso periglio” & Aria: “Aure, deh, per pietà” (Giulio Cesare)
Aria: “Empio, dirò, tu sei!” (Giulio Cesare)

Antonio Vivaldi (1687-1740)
Il Giustino RV 717
Aria: “Vedrò con mio diletto” (Anastasio)

III

Giovanni Legrenzi (1626-1690)
La Cetra Op. 11 – Sonata prima à 4
Allegro – Allegro

Alessandro Scarlatti (1660-1725)
La Giuditta
Aria: “Dormi, o fulmine di guerra” (Nutrice)

Georg Friedrich Händel
Orlando HWV 31
Recitativo: “Ah! Stigie larve” & Aria: “Vaghe pupille” (Orlando) 

Las cuatro caras del héroe
El héroe no es una figura mitológica que viva sus aventuras lejos de nosotros. Es, más bien, una representación de los movimientos internos que cualquier persona reconoce a lo largo de su vida. Así lo ha descrito el psicólogo gestáltico Francisco Peñarrubia, que identifica en esa figura cuatro caras o modos básicos de estar en el mundo: el Agricultor (Tierra), el Guerrero (Fuego), el Explorador (Aire) y el Sanador (Agua). No son etapas que se atraviesen una vez y se dejen atrás. Son maneras que vuelven cíclicamente, y el héroe maduro es el que aprende a habitarlas todas.

El Agricultor cuida, espera y permanece; su fuerza está en el arraigo y en el compromiso paciente con algo más grande que él. El Guerrero combate y se afirma: defiende su territorio, sus valores, su identidad. El Explorador descubre, mira el horizonte, se deja transformar por lo nuevo. El Sanador se quiebra y se reconcilia: acepta su vulnerabilidad, atraviesa la crisis y vuelve transformado.

La música barroca, con su intensidad dramática y su capacidad para expresar los extremos del afecto humano, es el vehículo natural de este viaje. El programa traza un arco que va del Agricultor que parte —doliente, identificado con su pérdida— al Agricultor que regresa al final del recital, ya consciente, ya integrado, capaz de contener en su gesto todas las caras atravesadas.

Primera parte
Abre el recital la Obertura de Nobilis Juventus, primera de las suites del Florilegium Secundum (Passau, 1698) de Georg Muffat. Discípulo de Lully en París y conocedor del estilo italiano por su paso por Roma, Muffat fue uno de los grandes sintetizadores del Barroco europeo temprano. Su obertura a la francesa, con la solemnidad de sus ritmos puntillados, instala el tono ceremonial del concierto bajo una divisa que no es casual: «Noble Juventud», el héroe asomado al umbral del viaje.

De esa juventud ceremonial caemos sin mediación en el lamento del Agricultor. , del Rinaldo de Händel, sostiene en si bemol mayor una línea vocal contemplativa y doliente: Rinaldo clama por la ausencia de Almirena y la ornamentación progresiva del da capo va llevando la angustia a su intensidad máxima. Es el arraigo en su forma más vulnerable.

Frente a esa pasividad amorosa, el Guerrero entra a fuego en Empio, dirò, tu sei, del Giulio Cesare in Egitto. Compás ternario, figuraciones descendentes en bajo y violines, saltos amplios en la línea vocal: César increpa a Tolomeo con la determinación del que combate por la justicia.

Pero el combate no resuelve nada. La ciaccona que cierra la Pars III de la Mensa sonora de Biber —música de mesa publicada en 1680 al servicio del arzobispo de Salzburgo— despliega en la menor variaciones sobre un breve esquema armónico recurrente. La aparente circularidad de la danza es, en realidad, una forma de movimiento interior: el héroe gira sobre sí mismo, deposita lo combatido, prepara la transformación.

Y la transformación llega en su forma más extrema con Ah! Stigie larve, del Orlando händeliano. Disonancias inesperadas e intervalos abruptos desorientan la tonalidad; la línea vocal alterna registros y pausas que crean ruptura interna. Orlando, devorado por los celos, dialoga con las larvas del Estigia y se sumerge en la locura. Es el Sanador en su fase más oscura.

Solo después de tocar fondo puede el héroe abrirse al asombro. Vedrò con mio diletto, del Giustino de Vivaldi, sostiene en mi menor una voz que se desliza con flexibilidad melismática sobre arpegios de los violines: Anastasio contempla las posibilidades que se le abren, y la inteligencia emerge de la crisis.

La primera parte se cierra, sin embargo, con un último descenso. La breve sinfonia andante e staccato de la segunda parte del Caino overo Il primo omicidio de Alessandro Scarlatti —oratorio compuesto en 1707 sobre libreto de Antonio Ottoboni— ocupa en su contexto original el lugar del fratricidio. La música no narra: es el acto.

Segunda parte
Se abre la segunda parte con el gran símbolo instrumental de la transformación: la Passacaille del quinto acto de Armide de Lully (1686), último gran fruto de su colaboración con Quinault. Su arquitectura monumental de variaciones sobre un bajo de cuatro compases acompaña, en la ópera, el momento en que la maga Armide ve disolverse su palacio encantado. Aquí, la forma misma del ostinato variado expresa cómo el héroe cambia sin moverse de su lugar.

Sobre esa metamorfosis, el Explorador retoma la palabra. En Dall’ondoso periglio… Aure, deh, per pietà, del mismo Giulio Cesare händeliano, el personaje que antes arengaba al combate reaparece náufrago en la playa egipcia. El accompagnato declamatorio desemboca en un aria de fraseo amplio donde César pide piedad a las brisas. La voz se ha vuelto interior. Es el mismo guerrero que ha aprendido a mirar.

Entre esa mirada y el cierre se interpone una breve respiración aristocrática: la sarabande del Prologue de Idoménée de Campra (1712), asociada en la ópera a la entrada de Vénus en la cueva de Eolo. Despliega un perfil melódico sereno en el lenguaje refinado de la danza cortesana francesa.

De esa elegancia surge el Sanador en su forma reconciliada. Pallido il sole, del Artaserse de Hasse —maestro del bel canto temprano—, traza una melancolía refinada sobre acompañamiento contenido y modulaciones suaves pero inestables. Artabano, atormentado por la culpa, encuentra en la resignación un atisbo de paz. La transformación ya no es ruptura, sino aceptación.

Y entonces, el cierre.

Dormi, o fulmine di guerra, de La Giuditta napolitana (1697) de Alessandro Scarlatti sobre libreto de Antonio Ottoboni, es la nana que la Nutrice canta a Oloferne para dormirlo antes del golpe mortal, invocando explícitamente el precedente de Dalila con Sansón. Es una nana lúcidamente falsa: la forma musical más tierna del Barroco italiano —siciliana en grave, textura suspendida, color de cuna— puesta al servicio de un acto libertador. Es el Agricultor, sí, pero un Agricultor que ha integrado las tres caras anteriores: su ternura contiene la estrategia del Guerrero, la lucidez del Explorador y la profundidad del Sanador.

Frente al Rinaldo doliente del inicio, esta Nutrice mece al enemigo con plena consciencia de lo que está haciendo. El héroe ha regresado a la tierra. Ya no es el mismo. 

Manuel Ruiz , contratenor
Nace en Córdoba, donde comienza su formación en diversas agrupaciones musicales. Accede al Conservatorio de su ciudad natal y consigue el título como Profesor Superior de Viola en el CSM ‘Rafael Orozco’ de Córdoba. Comienza sus estudios de Canto en Londres, en la Guildhall School of Music and Drama, bajo la dirección de Andrew Watts y David Pollard. Licenciado en Historia del Arte y Máster en Cinematografía por la Universidad de Córdoba, en España continúa su formación vocal en el Coro Joven de Andalucía. Posteriormente pasa a formar parte del Coro Barroco de Andalucía, dirigido por Michael Thomas. Y es con esta formación con quien debuta como solista en varios teatros del norte de África y Andalucía. Ha trabajado técnica vocal y repertorio con Richard Levitt, Carlos Mena, Scott Johnson, Robert Expert, Gerard Lesne y Auxiliadora Toledano. Además ha cantado Carmina Burana bajo la dirección de Carlos Padrissa en la producción homónima de La Fura dels Baus.

Realiza diversos conciertos como solista con formaciones como la Orquesta Barroca de Cádiz o la Camerata Juventudes Musicales de Córdoba. Participó en el estreno de metAMORfosis, ópera de pasarela compuesta por Diana Pérez Custodio, en Málaga. Ha realizado el estreno absoluto del espectáculo Il Primo Uomo, como solista, con la dirección escénica de Antonio Ruz (Premio Nacional de Danza 2018) y con Carlos Mena, como director musical, e Íliber Ensemble en el Gran Teatro de Córdoba. Posteriormente este espectáculo ha sido presentado en el Festival de Música Antigua de Sevilla con Darío Tamayo como director. Desarrolla su labor pedagógica en el Conservatorio ‘Músico Ziryab’, de Córdoba, además de ser el Vicedirector de dicho centro. Así mismo co-funda el centro educativo de música y danza Tararea Laboratorio Musical, en Córdoba.

Darío Tamayo, Dirección musical 
Nacido en Granada en 1993, comienza su formación musical a temprana edad. Tras cursar estudios superiores de Piano en el Real Conservatorio Superior de Música de Granada y en el Musikeon-Centro de Especialización Pianística de Valencia, se traslada a Barcelona, donde realiza sus estudios superiores de Clave con Luca Guglielmi en la Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC). En la actualidad, reside en Ginebra (Suiza), donde realiza estudios de Master en Dirección de Ensembles Barrocos (Maestro al cembalo) en la Haute École de Musique de Genève, junto a Leonardo García Alarcón.

En el ámbito de la música antigua, ha recibido clases de clavecinistas como Luca Guglielmi, Christophe Rousset, Leonardo García Alarcón, Aarón Zapico, Darío Moreno o Eduardo López Banzo; de organistas como Óscar Candendo, Alessio Corti, Juan María Pedrero y Andrés Cea, y de fortepianistas como Luca Chiantore, Pablo Gómez Ábalos y Edoardo Torbianelli. Amplía su formación en el campo de la interpretación históricamente informada recibiendo clases de especialistas de la talla de Manfredo Kraemer, Mara Galassi, Lorenzo Coppola, Pedro Memelsdorff, Alexis Kossenko, Marc Hantaï, Xavier Díaz-Latorre, Emilio Moreno o Emmanuel Balssa.

Interesado desde muy joven por la dirección de orquesta, comienza sus estudios a los dieciséis años de edad, realizando estancias de formación en Londres y Berlín. Desde entonces, ha recibido clases y consejos de maestros como Leonardo García Alarcón, Enrique García Asensio, Colin Metters, Bruno Aprea, Miguel Romea, Michael Thomas, Achim Holub y Manuel Hernández-Silva, entre otros. Como director, se ha puesto al frente de conjuntos como la Berlin Sinfonietta, London Classical Soloists, Orchestra Frau Musika, Orquestra Barroca de Barcelona, Orquesta Filarmonía Granada o Joven Orquesta Leonesa; asimismo, ha dirigido agrupaciones vocales como el Coro del Friuli Venezia Giulia, Vokalsystem Berlin o el Coro Tomás Luis de Victoria. Como clavecinista, ha colaborado con formaciones como Cantoría, Serendipia Ensemble, Orquesta Barroca de Granada o la Akademie Versailles del Collegium Marianum de Praga.

En 2013, funda el conjunto de música antigua Íliber Ensemble, que dirige desde entonces. Desde 2017, asume la dirección artística en las producciones escénicas de la Orquesta Barroca de Granada. Desde 2020 es clavecinista/ organista de Continuum XXI, conjunto hispano-alemán de música contemporánea con instrumentos antiguos, y desde 2022, es también clavecinista de la Orquestra Barroca de Barcelona. En 2021, participa como clavecinista y director de la Academia Barroca del Festival de Granada, trabajando mano a mano con Carlos Mena. Desde 2022, es director asistente de la Orchestra Frau Musika de Vicenza (Italia), dirigida por el maestro Andrea Marcon. Desde 2024, es el director artístico del Festival de Música Sacra de Granada MUSAG.

Esta actividad le ha llevado a ofrecer conciertos en países como Reino Unido, Alemania, Francia, Italia, Suiza, Portugal, República Checa y China, así como por buena parte de la geografía española, actuando en salas como el Daning Theatre de Shanghái, Festspielhaus Hellerau de Dresde, L’Auditori y el Palau de la Música Catalana de Barcelona, Palau de la Música de València, Teatros del Canal de Madrid, Auditorio Ciudad de León o Auditorio Manuel de Falla de Granada, entre otros. Asimismo, ha realizado grabaciones para RTVE y para los sellos IBS Classical y Patrimonio Sonoro. Como investigador, ha publicado diversos artículos y ha pronunciado conferencias en instituciones como la Universidad de La Rioja, el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid o la Escola Superior de Música de Catalunya. Además, es autor de la primera traducción al español de la primera edición de L’art de toucher le clavecin de François Couperin, publicada por la Editorial Piles en 2016 coincidiendo con el tricentenario de la aparición del original.

Íliber Ensemble | Formación musical
Íliber Ensemble es un conjunto especializado en el estudio y la interpretación de música antigua con criterios historicistas e instrumentos antiguos, fundado en Granada en mayo de 2013 y dirigido desde su creación por el clavecinista Darío Tamayo. Su actividad artística e investigadora se centra en la recuperación y difusión de repertorios poco conocidos, con especial atención al patrimonio musical barroco español. Han ofrecido conciertos por toda España, Europa y China, actuando en ciclos como el Meet In Beijing Arts Festival (China), Festival Internacional de Música y Danza de Granada, Festival Internacional de Santander, Ciclos de Patrimonio Nacional, Proyecto MusaE del Ministerio de Cultura o las sociedades filarmónicas de Valencia y Burgos, así como en los festivales de música antigua de Granada, Córdoba, Úbeda y Baeza, Aracena, Loulé (Portugal) y Vélez Blanco, entre otros. Esto los ha llevado a actuar en salas tan prestigiosas como el Auditorio Manuel de Falla de Granada, el Palau de la Música de València o el Daning Theatre de Shanghái, y en espacios tan emblemáticos como el Ateneo de Madrid, Museo de América de Madrid, Tribunal Constitucional, Palacio Real de Aranjuez, Castillo de Vélez Blanco, Alcazaba de Málaga o las catedrales de Granada y Baeza, recibiendo los elogios de la crítica especializada. Desde 2024, son el conjunto residente permanente del Festival de Música Sacra de Granada MUSAG.

Han realizado tres registros discográficos, aclamados por la crítica: Durón: La guerra de los gigantes (IBS Classical, 2019), El clave del Emperador (IBS Classical, 2021) y Codex Trujillo, que verá la luz en los próximos meses. Asimismo, han efectuado grabaciones para RTVE y China Central Televisión, y han participado en la BSO de las películas España, la primera globalización (2021) e Hispanoamérica (2024), dirigidas por el galardonado realizador José Luis López-Linares.