Nereydas con Filippo Mineccia, contratenor
Dir. Ulises Illán
Entre el mar y el fuego: Scarlatti y el Teatro de los Sueños
Alessandro Scarlatti

Entre el mar y el fuego: Scarlatti y el Teatro de los Sueños
Arias de amor, furia y redención en el barroco napolitano
Nereydas & Filippo Mineccia – Ulises Illán, dirección

Alessandro Scarlatti (1660–1725)
Il Pompeo (Roma, 1683): Obertura; aria “Date senso a questi marmi”
Gli Equivoci nel sembiante (Roma, 1679): aria “Dormi pur”
Martirio di Santa Teodosia (Roma, 1683): aria “Non è fierezza l’usar fierezza”
Il trionfo della Grazia o La Maddalena penitente (Roma, 1685): aria “Il piacer nel teatro del mondo”
Pirro e Demetrio (Nápoles, 1694): aria “Veder parmi un’ombra mesta” (+)
Il pastor di Corinto (Nápoles, 1701): aria “Coronate ho le tempie”

Flavio Cuniberto (Pratolino, 1702): Obertura (+)
Tiberio imperatore d’Oriente (Nápoles, 1702): aria “Già la sorte con doppia corona” (+)
Sedecia, Re di Gerusalemme (Roma, 1706): aria “Per punir il mio pubblico errore”
Mitridate Eupatore (Venecia, 1707): arias “Patrii numi”, “Se il trono dimando”

Domenico Scarlatti (1685–1757)
Sonata para viola d’amore y continuo en re menor K.89 – II. Largo III. Allegro

Alessandro Scarlatti (1660–1725)
Il Tigrane (Nápoles, 1715): aria “Care pupille belle”
La Dorisbe o Amor volubile e tiranno (Nápoles, 1709): aria “Qual fra speme e fra martire” (+)
Griselda (Roma, 1721): aria “Vago sei”
Erminia (Nápoles, 1723): aria “Come suol”

(+) Estreno en tiempos modernos

Filippo Mineccia, contratenor

NEREYDAS
Valerio Losito, concertino*
María Hernández, violín
Víctor Gil, viola
Ángela Lobato, violonchelo
Xisco Aguiló, contrabajo
Alfonso Sebastián, clave y órgano
Ulises Illán, director

Duración aproximada del concierto 75′ sin pausa

*Valerio Losito interpreta una viola d’amore de Ferdinando Gagliano (Nápoles 1775), cortesía de las Fundaciones Nando y Elsa Peretti, delegación española en Cataluña.’

Entre el mar y el fuego: Scarlatti y el Teatro de los Sueños

Celebrar el Festival de Música Antigua de Aranjuez es, cada año, celebrar la memoria viva. En este escenario privilegiado, donde el arte dialoga con la historia, la música antigua se convierte en presente, y el aire mismo parece resonar con ecos de siglos pasados. Volver a Aranjuez con Nereydas es un honor y una emoción profunda: es nuestra segunda visita a este festival que tanto ha hecho por devolver al patrimonio sonoro su dignidad y su esplendor. En este festival literalmente se pasea por la música dieciochesca. Hoy, además, regresamos a un lugar que fue concebido para el teatro musical: el Teatro Real Carlos III, construido en 1768 por orden del monarca ilustrado que quiso unir —como reza la inscripción de su frontispicio— “las delicias del campo con los placeres de la ciudad”. En este espacio, nacido para la ópera y la comedia, vuelve a escucharse la voz del género que marcó el alma del siglo XVIII, que trenza las más bellas palabras con las músicas más exquisitas: la ópera.

El concierto que presentamos lleva por título “Entre el mar y el fuego: Scarlatti y el Teatro de los Sueños”. En él confluyen el Mediterráneo y el Vesubio, las aguas y las llamas que modelaron la vida y la música de Alessandro Scarlatti. El mar evoca sus orígenes en Palermo y su madurez en Nápoles, esa ciudad-puerto que fue un laboratorio de pasiones y artificios sonoros. El fuego, por su parte, simboliza la fuerza telúrica de su arte: el ardor del deseo, la furia del poder, la llama redentora de la fe. El programa, concebido y editado por el contratenor italiano Filippo Mineccia, propone un viaje cronológico y emocional a través de la obra de este genio que, hace ahora tres siglos, dio forma definitiva a la ópera napolitana.

Alessandro Scarlatti (1660–1725) fue el arquitecto del teatro musical moderno. En sus manos, el aria da capo se convirtió en el vehículo perfecto para explorar los abismos del alma. Con una economía de medios y una profundidad psicológica inéditas, transformó el melodrama en una escuela de afectos: amor, celos, ira, penitencia, esperanza. Nacido en Palermo y formado en Roma, encontró en Nápoles —entonces bajo dominio español— el escenario ideal para desarrollar su arte. La corte virreinal hizo de la ópera un instrumento de representación política, pero Scarlatti la convirtió también en una forma de introspección humana. Sus obras respiran un equilibrio entre la teatralidad pública y la emoción privada, entre el artificio cortesano y la sinceridad del sentimiento.

En este homenaje, trescientos años después de su muerte, su música regresa a un teatro real —y nunca mejor dicho—, el mismo tipo de espacio donde nació. Volver a escuchar a Scarlatti en un edificio de 1768, bajo la bóveda que vio nacer la ópera en España, es una experiencia casi simbólica: la ópera del siglo XVIII vuelve a su casa, así, en Aranjuez.

El concierto se articula en tres bloques, que trazan un mapa sonoro desde Roma hasta Nápoles, Venecia y, finalmente, hacia la herencia de Domenico. Es también un recorrido emocional: del sueño amoroso a la redención, del deseo al perdón.

El primer bloque nos sitúa en la Roma de los años setenta del siglo XVII, donde el joven Alessandro empieza a forjar su estilo entre los ecos de Carissimi y Pasquini. “Dormi pur”, la delicada aria de Clori en Gli equivoci nel sembiante (1679), nos invita a soñar con la fidelidad y la ternura:“Duerme, pues, y sueña mientras tanto con tu esperanza y con mi fidelidad”. En esas frases suspendidas hay ya una melancolía contenida, una sensualidad que anuncia el nuevo teatro de los afectos. La espiritualidad barroca aparece poco después en el Martirio de Santa Teodosia, donde el héroe canta “No es altivez usar altivez, sino piedad insensata hacia quien, lleno de afecto, no tiene sentimientos”. Será un diálogo de ritmo pastoral entre el violín y la voz. Scarlatti transforma la moral en emoción y la retórica en verdad.

En La Maddalena penitente, la Penitencia se erige como visión moral del mundo: “Los placeres en el teatro del mundo se presentan en la escena como un amigo predilecto. De lejos tienen apariencia feliz, pero si te acercas, mudan su aspecto.”. La metáfora del teatro dentro del teatro, el metateatro barroco, resume toda la filosofía barroca: la vida como ilusión, la escena como espejo del alma. Y a la vez pienso que hoy tienen plena vigencia, en este siglo XXI de redes sociales y aparentar una vida que no puedes sostener en tu realidad. Está claro que el pasado nos interpela desde el presente.

El segundo bloque nos traslada al Nápoles virreinal, la capital ardiente donde Scarlatti se consagra como maestro de capilla y renovador de la ópera seria. En Pirro e Demetrio (1694), el héroe entona “Me parece ver una sombra negra que me amenaza, pero luego la esperanza viene a consolarme”: el dramatismo psicológico sustituye al simple gesto retórico. En Il pastor di Corinto (1701), el amor pastoral se tiñe de ironía: “Coronadas tengo las sienes de flores, y traspasado de espinas el corazón”. La música, flexible y luminosa, sigue cada inflexión del texto con una inteligencia teatral que prefigura a Händel y a Hasse.

En Tiberio imperatore d’Oriente (1702), las metáforas heroicas del poder encuentran su contrapunto amoroso: “Ya la suerte con doble corona te ciñe la frente y el corazón”. En esta aria Maurizio canta junto a un violonchelo obligado, que va latiendo en su solo con un ritmo punteado, que es a la par latido y celebración. Son los años de esplendor en los que la ópera napolitana se convierte en emblema de civilización cortesana, una maquinaria perfecta de arte y diplomacia.

En Sedecia, re di Gerusalemme (Roma, 1706), Scarlatti traslada el drama bíblico a un oratorio de una intensidad casi teatral. En la aria “Per punire il mio pubblico errore”, los violines dialogan entre sí y a la vez en combattimento con la voz, siguiendo el estilo elegante y luminoso que en esos mismos años imponía Corelli y su orquesta en Roma: la retórica del violín se convierte en espejo del alma penitente. Cada réplica instrumental parece una súplica, y cada silencio, una confesión.

El ciclo se cierra en Mitridate Eupatore (1707) donde es protagonista el último de los grandes monarcas helenísticos. Estamos ante una obra veneciana de madurez de Alessandro Scarlatti, donde el héroe canta la bellísima aria «Patrii numi» a los dioses, para luego expresar con noble ambigüedad: “Si el trono pido al cielo, con aquella que adoro sólo anhelo reinar”. En esa fusión de amor y gloria, el mar de Venecia parece encontrarse con el fuego de Nápoles.

El último bloque nos conduce hacia la herencia de Domenico Scarlatti, el hijo que transformó el teatro paterno en un laboratorio para el teclado y que perfumó la literatura de tecla con un sabor ibérico inconfundible. Su Sonata para viola d’amore y continuo en re menor K 89 actúa aquí como un interludio instrumental, un puente entre la voz y el silencio, entre el canto humano y el diálogo interior de las cuerdas. En ella se perciben ritmos afandangados que nos remiten también a Sevilla y el lustro real, esa etapa en la que Domenico Scarlatti pasó en Sevilla como maestro de la aún infanta Bárbara de Braganza. Encontramos en estos dos movimientos la misma dramaturgia de los afectos operísticos, pero traducida en términos puramente instrumentales: el contrapunto de la pasión se convierte en estructura, el suspiro en motivo. Y los acordes desplegados con el arco en zapateados e incluso rasgueados de guitarra. Y es que además estamos ante un instrumento peculiar, la viola de amor, que era el instrumento favorito de Farinelli, tan vinculado a la corte y a Aranjuez como arquitecto del ocio más refinado y de la música más elevada.

En ese mismo horizonte de madurez, y también con el uso obligado de la viola d’amore, Il Tigrane (Nápoles, 1715) representa una de las cumbres del arte de Alessandro Scarlatti. Basada libremente en las Historias de Heródoto, esta ópera napolitana, refleja el gusto del siglo XVIII por los temas orientales, en particular por la mítica Armenia, patria imaginaria de héroes y reyes virtuosos. Si en Mitridate Eupatore el héroe lucha entre el poder y el amor, en Tigrane el conflicto se transforma en una meditación sobre la fidelidad y la pureza. En el aria “Care pupille belle”, acompañada por la aquí melancólica viola d’amore, el personaje de Policare —rey de Lidia y figura de noble serenidad— canta:“Queridos y bellos ojos, de vos desea esta alma su consuelo.” Aquí el fuego de la pasión se apacigua en un lirismo íntimo: el amor deja de ser tormento para volverse contemplación. Es la voz madura de Scarlatti, capaz de fundir la transparencia armónica con una ternura casi clásica.

El epílogo del concierto nos devuelve a la ópera con arias tardías que destilan la sabiduría de toda una vida creando música. En La Dorisbe, el amor es una mariposa que se quema en su propia luz: “Como entre esperanza y martirio va la mariposa hacia el resplandor”, como una especie de Ícaro, arrebatado por el ansia hacia su destino. En Griselda (aria Vago sei), la ternura se mezcla con el perdón: “Eres bello, rostro amoroso, no temas, vengo a abrazarte”. Y en Erminia, el héroe herido corre hacia su amada como un ciervo incansable en el aria «Come suol«: “Aunque exhausto la alcanza de lejos, ya no siente más dolor”. Es el último fuego de un compositor que conocía con profundidad todos los matices del alma humana.

La música de Scarlatti se mueve entre lo humano y lo divino, entre el artificio y la emoción genuina. Cada aria es un pequeño teatro de sueños —como sugiere el título de nuestro concierto— donde el intérprete reencarna pasiones universales. En esas arias, que hoy canta Filippo Mineccia con su timbre de bronce antiguo, renace la teatralidad de un tiempo en el que la voz era el espejo de la naturaleza y la razón del corazón.

Escuchar este repertorio en el Teatro Real Carlos III de Aranjuez es como cerrar un círculo: las notas que sonaron en Nápoles, Roma o Venecia regresan ahora a un espacio nacido para ellas, un teatro real en el sentido más literal. Bajo esta bóveda, donde el propio Carlos III celebró la unión de la corte y el arte, resuena de nuevo el pulso de una música que fue símbolo de modernidad y elegancia.

Tres siglos después de su muerte, Alessandro Scarlatti sigue hablándonos con la claridad de un clásico. Su música, al tiempo elegante y magmática, nacida “entre el mar y el fuego”, sigue siendo espejo de la condición humana: del amor que consuela, de la ambición que consume, de la fe que redime. Y en cada aria de Scarlatti, en cada gesto musical, late una idea que atraviesa el tiempo: la de que la belleza —como la música— es una forma de verdad.

Ulises Illán
Director de Nereydas

Filippo Mineccia, contratenor
Es una de las figuras más destacadas de la interpretación del repertorio barroco, especializado en el estudio y la recuperación del legado musical de los castrati y el virtuosismo vocal del Seicento y Settecento.

Inicia sus estudios musicales a temprana edad en la Escuela de Música de Fiesole cantando en el coro polifónico. Continúa estudiando violonchelo y canto con Gianni Fabbrini y Donatella Debolini. Durante esos años compagina una intensa actividad concertística con la investigación del repertorio vocal, reconstruyendo las carreras, biografías y ejecución de los más importantes virtuosos de la época barroca.

Ha colaborado con numerosos ensembles y grupos especializados en música antigua y tiene una destacada producción discográfica. Su trabajo Siface: L’amor castrato (Glossa, 2018, Illán, Nereydas) ha cosechado importantes reconocimientos a nivel internacional, siendo seleccionado como “Mejor Disco” del 2018 en diversas publicaciones (El País, Gramophone).

Sus compromisos recientes incluyen: Endymion en La Calisto de Cavalli con Christophe Rousset (Estrasburgo), Demetrio en Berenice de Händel (Handel-Festspiele Halle), Aquiles en La finta Pazza de Francesco Sacrati con Leonardo García Alarcón (Dijon, Versalles), Stabat Mater de Pergolesi en Corea del Sur bajo la dirección de Jordi Savall, así como su debut en el Teatro Colón de Buenos Aires.

Nereydas
Es una formación instrumental y vocal, dirigida desde su fundación en 2010 por Javier Ulises Illán. Es reconocida por su amplio repertorio, sus interpretaciones con carácter historicista y el afán por compartir el placer y la emoción de la música con todo tipo de públicos.

Las señas de identidad de Nereydas son el rigor de las interpretaciones con criterios historicistas, basadas en el estudio de las fuentes y el trabajo musicológico sobre cada partitura. Utiliza instrumentos originales de época o copias fidedignas de los mismos.

Es objetivo de la formación rescatar, valorar y difundir el patrimonio musical, especialmente el español e iberoamericano. Una de las características de Nereydas es su respeto por las voces. la retórica y por el mensaje que los textos transmiten.

Nereydas ha participado en diversas programaciones nacionales e internacionales, como las de Teatro Real y Teatro de la Abadía, Patrimonio Nacional, Centro Nacional de Difusión Musical, Festival de Música Antigua de Versalles (Francia), Semana de Música Religiosa de Cuenca, Fundación Juan March…

Nereydas está inmersa en un proyecto científico, musicológico y de investigación para recuperar música de los archivos de Patrimonio Nacional y de las catedrales de España. Por esta labor está considerada como formación de referencia en la recuperación, valoración y divulgación del patrimonio musical, y es reconocida su especialización en la interpretación de repertorios del siglo XVIII. ICCMU.

Nereydas es Premio Teatro de Rojas de Toledo como “Mejor espectáculo de compañías de Castilla-La Mancha” por “Concierto Barroco”. Accésit en el Premio de Transferencia de Tecnología y Conocimiento de la Universidad Complutense concedido al trabajo “Estruendos sonorosos. Música para la Real Capilla de Palacio (1743-1797)”, realizado con el Instituto Complutense de Ciencias Musicales.

Ulises Illán
Ulises Illán (Toledo, 1981) es director de orquesta y aborda repertorios desde el Barroco a la música contemporánea en los géneros sinfónico y lírico. Fundador de Nereydas y director titular de Accademia Barocca Lucernensis.

Acreditado por extensa formación, es Máster en Dirección de Orquesta y Ópera (Hochschule Luzern Musik). Formado en España, Austria, Francia y Suiza con Howard Arman, Ton Koopman, Philippe Herreweghe, George Pehlivanian, Jörg Bierhance, Salvador Mas, Jorma Panula, Manfred Huss (música historicista) y Julius Kalmar (ópera). Ha recibido orientaciones de Pierre Boulez y Bernard Haitink. Titulado en Grado Superior de Violín (Centro Superior de Música del País Vasco), Licenciado en Historia y Ciencias de la Música (Universidad de La Rioja) y Experto en interpretación y análisis (Universidad de Oviedo).

En su trayectoria ha dirigido, entre otras formaciones: Orquesta Sinfónica de RTVE, Haydn Sinfonietta Wien (Austria), Festival Strings Lucerne (Suiza), Coro del Teatro Real de Madrid, Orquesta Sinfónica Académica Estatal de Rusia, Coro de Cámara Académico Estatal de Moscú, Orquesta de Cámara Nacional de Armenia, Coro de Cámara del Estado de Ereván (Armenia), Orquesta de Cámara de España o Joven Orquesta Nacional de España.

Con Nereydas, orquesta y coro, colabora con diversas instituciones y participa en programaciones en España y Europa. Con esta formación ha publicado grabaciones en Glossa, PanClassics y CMY Baroque: Angélico Greco. El cielo se llenó de música, The Jommelli Album, Siface: l’amor castrato y The Royal Chapel of Madrid. Sacred Music after the Great Fire of 1734. Pendientes de publicación en el sello discográfico Deutsche Harmonia Mundi están las grabaciones: Nitteti, princesa de Egipto, de Conforto y Metastasio, y El libro secreto de la reina Bárbara de Braganza, con música de varios autores.

Como director titular de Accademia Barocca Lucernensis, coro y orquesta, afronta el repertorio barroco centroeuropeo y ha grabado el CD Sacred Music for Dresden Cathedral, obra con dos nominaciones en los premios europeos Opus Klassik 2019, incluida la de mejor dirección musical. Sus interpretaciones han sido registradas y emitidas por diferentes canales de radio y televisión europeos: BBC, NDR, Rai, RNE, Radio France, SRF, RTVE.

Es investigador, editor crítico de música de ópera y musicólogo especialista en partituras del siglo XVIII. Ha formado parte del equipo del proyecto europeo DIDONE, liderado por Álvaro Torrente, en el ICCMU de la Universidad Complutense de Madrid.

Ha sido galardonado con el Premio GEMA 2021 a mejor director y nominado como mejor director sinfónico en los premios Opus Klassik 2019 de Berlín. Es miembro de la Academia de Ciencias Sociales y Humanidades de Castilla-La Mancha.